Godspeed You! Black Emperor es una banda de post-rock orginaria de Montreal, Canadá. Sus miembros suelen rotar, y niegan un liderazgo. Marcelo Simonetti traza un recorrido de la trayectoria de  este colectivo que se presentará el 21 de noviembre en el Complejo Art Media.

Por Marcelo Simonetti

Debe ser una de las notas más difíciles para hacer, una que se tome un trabajo más o menos digno. Me refiero a escribir sobre Godspeed You! Black Emperor.

¿Por qué es difícil? Primero, porque lo que uno sabe es lo que ve en las tapas de los discos, lo que escucha en la música, y lo que lee en las contadísimas entrevistas. Y para peor, la música es esencialmente post-rock. Temas larguísimos sin letra, como obras en sí mismas, y de una cinematografía apabullante.

Sí podemos rescatar algunos datos concretos, comprobables: GY!BE es un colectivo originario de Montreal, Canadá. Digo colectivo, porque sus miembros suelen rotar, y niegan un liderazgo. Aunque si alguna vez no pueden evitar dar la cara en algún medio, lo hace el pianista y guitarrista Efrim Menuck. Podemos decir también que al principio eran tres miembros, pero que después fueron nueve. Con el tiempo, siguen fluctuando y hoy tienen diez entrando y saliendo. O decir que no podés encontrarlos ni en Spotify ni en casi ninguna otra plataforma, y tampoco en ninguna red social. Las giras, las anuncia el sello. Todo lo que ellos tienen para decir, está en su música (instrumental).

Y también están las tapas de sus discos para buscar pistas: el nombre “Slow Riot for New Zero Kanada” (1999) significa “Revuelta lenta para un nuevo comienzo en Kanadá”. En la tapa, reza “sin forma y vacío” o “caos absoluto” en hebreo. En la contratapa, aparece un diagrama de la guerrilla urbana italiana sobre cómo armar bombas molotov.

“Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven” (2000) sería en castellano “Levanta tus flacos puños como antenas al cielo”, y tiene un arte de tapa que incluye ilustraciones a mano estilo vintage, yuxtapuestas con diagramas de compras compulsivas, iglesias, policías y hospitales.

“Yanqui U.X.O.”(2002) es “Yanqui (término histórico internacional contra el imperialismo estadounidense) [munición sin estallar] (alusión a las bombas racimo)”. La portada son bombas cayendo. Atrás, un diagrama corporativo con todas las compañías discográficas y multinacionales de la época que fabricaban armas. El disco contiene un tema llamado “09-15-00”. Y en el sobre interno como descripción se lee: » 09-15-00 es el 15 de septiembre del 2000, con Ariel Sharon rodeado por 1000 soldados israelíes marchando sobre al-Haram Ash-Sharif y provocando otra Intifada».

Después de un parate de nueve años, volvieron en 2010. En 2012 salió “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!”. Algo así como “Aleluya! No te dejes doblegar, levantate”. El arte interno son básicamente fotos distorsionadas de manifestaciones, y combates con la policía, impresas con tinta opaca metálica. Y la tapa, es similar al de los fanzines anarquistas.

“Luciferian Towers” es del 2017. “Torres luciferianas”, en castellano, en referencia a los rascacielos del capital financiero trasnacional. Y el arte de tapa, es explícito: unas banderas ondeando sobre las ruinas arquitectónicas de edificios, y un comunicado exigiendo la abolición de las prisiones, el fin de las fronteras, la disolución de la policía, y que los rascacielos sean reemplazados por tierras comunitarias.

En fin, podría extenderme, pero al fin y al cabo es una banda de música. Y quizás su mayor poderío se encuentra ahí. Como les conté más arriba, GY!BE es una banda de post rock. Del post rock moderno digamos. Porque según dicen, el primer disco de Post Rock fue Metal Box (que justamente escribí una nota sobre el mismo hace unos años), de Public Image Limited, grabado en 1979. También es muy citado “Laughing Stock” de Talk Talk, de 1991. Pero lo cierto es que más allá del abandono de las estructuras tradicionales y las canciones cerradas y la improvisación de estos casos, al oído no suena muy parecido a lo que hoy se conoce como Post Rock. Cuando empecé a sumergirme en el estilo y a cómo sonaba hoy, sentí que eso lo había escuchado en algún lado y no era en estos dos discos que menciono, sino en otro subgénero. Y más precisamente lo había escuchado en un disco en particular de una banda en particular. Me refiero a los góticos Fields Of The Nephilim en su extraordinario e inclasificable “Elizium” de 1990. Ahí ya tenemos el paisaje sonoro denso, inmersivo y continuo en detrimento de la estructura tradicional del rock y el pop y sus derivados. Pero también tenemos las intros largas, las capas ambientales, los pasajes que avanzan con lentitud. La épica cinematográfica y espacial también manda en el disco, como en todo el subgénero que estaba al nacer como tal. Y la frutilla del postre: el sampleo de la voz de Aleister Crowley sobrevolando todo el disco es otro punto de referencia a la hora de linkearlo con los discos de GY!BE, que cuentan historias a partir de sampleos de voces callejeras a través de paisajes musicales, orquestales y apocalípticos sutiles de a ratos, y de a ratos demoledores.

Nombro el disco de los Nephilim para quien quiera hacerse una idea, y tenga la suerte de haberse topado con él. De cualquier manera, para quienes los ayude y quienes no la data previa, nos sumergimos en la música de la banda en cuestión.

Podemos dividir su arte en quizás tres grandes etapas.

La primera va desde el 97 al 2002, arrancando en un lo-fi desolador, composiciones fragmentadas de texturas oscuras en “F# A# ∞” de 1997.

Acá el hilo conductor son grabaciones de campo, monólogos, que sumado a los sonidos, arman una atmósfera post-apocalíptica difícil de respirar. Destaca “Death Flag Blues”, que consta de 5 partes. En la primera, un desconocido lee un texto, que a la vez es un pedazo de un guion de película que Efrim Menuck nunca terminó. Lo hace en un tono entre el predicador y el derrotado sin esperanzas. Y dice:

“El coche está en llamas y no hay nadie al volante.

Las alcantarillas están llenas de barro y de mil suicidios solitarios

y sopla un viento sombrío.

 

El gobierno es corrupto,

y estamos puestísimos de drogas,

con  la radio prendida y las cortinas corridas.

 

Estamos atrapados en las entrañas de esta máquina horrible.

Y la máquina se está desangrando hasta morir.

 

El sol se ha desplomado.

Los carteles publicitarios nos miran con aire siniestro.

Y las banderas yacen inertes en lo alto de sus mástiles.

 

Sucedió así:

 

Los edificios se derrumbaron sobre sí mismos.

Madres que sostenían a sus bebés

escarbaban entre los escombros

y se arrancaban los cabellos.

 

El horizonte urbano ardía, hermoso.

Un metal retorcido alzándose hacia el cielo

todo bañado por una tenue bruma anaranjada.

 

Dije: ‘Besame, sos hermosa;

estos son, sin duda, los últimos días’.

 

Me agarraste de la mano

y nos dejamos llevar en eso

como en un sueño diurno

o en un ataque de fiebre.

 

Entonces, una mañana despertamos y caímos un poco más profundo.

Sin duda, este es el valle de la muerte.

Abro mi cartera

y está llena de sangre.”

Esta primera entrega muta en lo que probablemente sea el cenit artístico de la banda: el ep “Slow Riot for New Zero Kanada” de 1999 y el disco “Lift Your Skinny Fists Line Antennas To Heaven” del 2000.

 

El primero se dice que es un ep porque tiene dos canciones. Pero dura 30 minutos, y en él se condensan algunos de los pasajes más extraordinarios de toda su discografía. “Moya”, que es el primer tema, es una pieza lúgubre que comienza con una melodía de chelos y violines delicadísima, escalando hasta un clímax orquestal con momentos de una brutalidad inimaginable. La segunda parte del ep es “BBF3”. Acá se escuchan monólogos de Blaise Bailey Finnegan III, un poeta callejero, recitando sus reflexiones cadenciosa y dramáticamente cargadas de nihilismo anticapitalista, entrelazadas a unos versos de canciones de Iron Maiden (?). También acá se hace eje musical, como en el tema anterior, en la dinámica de “ruidoso-quieto-ruidoso”. El uso de crescendos monumentales desde paisajes minimalistas y melancólicos hasta el estallido en muros de sonido masivos es épico. Utilizan la orquestación de cámara, recayendo el peso melódico en los arreglos de cuerdas, y explotan con la instrumentación de rock, con tres guitarras eléctricas, dos bajos y dos baterías. El disco que acompaña al ep y que nombré más arriba, es en el mismo tono. Por momentos luminoso, sinfónico, y de tintes épicos. El complejo ensamble de las capas de guitarras, la sección de violines y violonchelos, los glockenspiels y las trompas francesas balancean a la perfección la belleza melódica y la distorsión. Escucharlo en la oscuridad es subirte a la montaña rusa desde la tristeza más desoladora hasta el esplendor más incandescente. Para muchos, es éste el punto más alto de la historia del género.

La última entrega de ésta (no tan antojadiza) primera etapa de la banda es con “Yanqui U.X.O”, en 2002.

A éste lo produjo Steve Albini. Acá no hay grabaciones de campo, el sonido es directo y con bordes industriales, con percusión directa y guitarras abrasivas. Los arreglos orquestales siguen siendo la columna vertebral del disco, pero no hay demasiada postproducción. Acá no hay luminosidad. A la tensión melancólica le sobrelleva una oscuridad arrasadora, con pasajes más calmos, y picos de una brutalidad extrema. Albini hizo tocar a todos los músicos en un mismo estudio, haciendo que las cuerdas sonaran más punzantes y viscerales en lugar de fantasmales. Es un disco difícil, más aún que lo que habían hecho hasta ahí. Pero si acostumbrás las orejas y el pulso cardíaco, resulta adictivo.

La segunda etapa es desde su reunión del 2012, y va hasta el 2015. Es la segunda etapa porque es después de un parate de varios años. Y porque hay cambios sustanciales en la música.

La primera entrega es “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” del 2012.

Acá es como si hubiera desaparecido la tristeza narrativa del siglo XX y la brutalidad casi militar es la que gobernara todo. Ahora las cuerdas ya no guían melodías sentimentales en las intros. En los dos temas del álbum, de 20 minutos cada uno, lo que los precede es ruido industrial puro y duro. Las baterías tienen un ritmo mucho más pesado y tribal. Y los violines dejan la estelaridad para unirse a las tres pavorosas guitarras eléctricas, conformando un muro sónico enfocado en el acople y la saturación. Si bien hay momentos luminosos, la flecha parece indicar que vamos hacia terrenos mucho más duros.

El disco que cierra la segunda etapa es “Asunder, Sweet and Other Distress”, del 2015.

Con 40 minutos de duración, es el más corto. Y el más difícil. Acá toda la orquestación desaparece. Todo lo que hay es brutalidad y desasosiego. Las guitarras alcanzan su punto más abrasivo, el violín se procesa con pedales de efecto para que gire junto al ruido general. El tono es de colapso inminente, y estilísticamente podemos encontrar cosas de noise-rock, drone metal y un ambient psicodélico industrial devastador.

En síntesis, la segunda es la etapa donde la banda pasa de ser una orquesta de cámara post rock especialista en convertirte en una máquina de llorar de tristeza y euforia a partes iguales mediante el uso dramático del silencio y la melodía orquestal, a ser una topadora dispuesta a aplastarte con su ruido industrial.

La tercera etapa va del 2017 hasta hoy. La orquestación se hace presente otra vez. Vuelven los pasajes frágiles y melancólicos, y hay pasajes de brutalidad, pero lo que parece primar es una luminosidad que podía definirse como furiosa o combativa. Hasta ahora, van tres entregas con sus particularidades:

“Luciferian Towers”, del 2017.

Acá no hay ritmos fúnebres. Se parecen más a una marcha o a una fanfarria. Hay saxos, flautas, trompetas que flotan por sobre la distorsión, imprimiéndole un aire festivo y marcial a la vez, en plena cruza entre música folclórica y manifestaciones callejeras. Se divisan algunos ganchos accesibles y triunfantes. El balance entre la fragilidad acústica y la furia final de las composiciones “Bosses Hang” (“colgar a los patrones”) y “Anthem For No State” (El himno a la ausencia de Estado) son lo más destacado del álbum.

Le sigue “G_d’s Pee AT STATE’S END!” de 2021.

Éste se siente como una especie de resumen discográfico de la banda. Reaparecen las radios de fondo, los sintonizadores de audio. Las guitarras no solo hacen ruido, aunque también, sino que trazan melodías circulares. A diferencia de los primeros discos, los movimientos avanzan más rápido. Pero existen. No hay desolación, sino riffs pesados y melódicos a la vez, cercanos al post punk o incluso al primer punk, en variaciones que incluyen al post rock, el noise y la música clásica contemporánea. Aparte de los clásicos violines, órgano y glockenspiel, aparecen los sintetizadores y nuevamente las grabaciones de campo. Es una síntesis entre la majestuosidad de la primera etapa, y la potencia de la segunda.

“No Title as of 13 february 2024 28.340 dead” es su último trabajo discográfico hasta la fecha, y es del 2024.

Es su álbum más doloroso y directo. No hay rabia, sino una profunda tristeza que comienza desde el título del álbum. Los crescendos no suenan ni épicos ni devastadores ni victoriosos, sino que se arrastran hacia un clímax más parecido al lamento colectivo.  El violín llora en primer plano, distorsionado y lacerante, en lugar de camuflarse entre las capas de sonido y el sonido ambiental de zonas de guerra. La percusión adopta un tono militar, que sostiene guitarras cargadas de reverb, evocando un paisaje vacío y en ruinas. La pieza que me resulta más impactante es “Babys in a Thundercloud”. Una quietud tensa que simula explosiones lejanas estalla en muros de sonido masivos, de estructuras armónicas trágicas, que así y todo conservan el dinamismo del post rock clásico. También el final del disco, “Grey Rubble – Green Shoots”, es conmovedor. Es una resolución melódica que transmite cierta dosis de esperanza testaruda frente a la destrucción absoluta que propone y lleva adelante el capital.

En resumen, si bien siempre habían elaborado una propuesta política, siempre había sido abstracta y declamativa salvo excepciones. En su tercera etapa se ponen más concretos, urgentes y viscerales, sobre problemas y tragedias actuales. Y estética y estilísticamente, se alejan de la pirotecnia épica del post rock más comercial (que también me encanta), para consolidarse como una obra de arte político militante. Un repudio a la tragedia en la que nos sumerge el sistema capitalista, y una elegía incómoda y urgente a la humanidad.

No pude escribir menos, primero porque soy largo. Y segundo porque no se puede escribir menos si uno quiere hacer un informe serio sobre estos pibes y pibas. Lo que puedo agregarles es que sin haberlos visto nunca, y por lo que me han contado fidedignas voces, sus shows son experiencias sensoriales y artísticas de los que uno no se olvida en la vida.

Así que como quien no quiere la cosa, les soplo que se van a presentar el 21 de Noviembre, en unos días, en el Complejo Art Media. Hay entradas. Si sobrevivís a la experiencia, a la salida te invito una cerveza.